Joan Miro, peintre espagnol, est né à Barcelone le 20 avril 1895, dans famille de bonne bourgeoisie. En 1912, après avoir étudié à l'Ecole des Beaux-Arts de Barcelone, il entre à l'académie de Gali. Il subit alors l'influence de l'architecte Antonio Gaudi et de la peinture romane. Mais les progrès du jeune Miro sont très lents en dessin et son père décide de le retirer de l'académie et le place en apprentissage chez un commerçant. 

A l'âge de 19 ans, après avoir soigné une maladie à Montroig où ses parents ont une propriété, Miro décide de se consacrer entièrement à la peinture. Dès cette période, il subit l'influence des fauves. En 19I7, il réalise une série de portraits où l'on découvre l'influence de Van Gogh. Déjà, Miro a un style très personnel: il supprime les détails inutiles et réduit sa peinture à l'essentiel.

J'ai rencontré les surréalistes tout à fait par hasard. Gargallo, qui était professeur à l'Académie des Beaux-Arts de Barcelone, et que je connaissais, avait un atelier à Paris, et quand je vins vivre à Paris, il le mit à ma dispo­sition. L'atelier se trouvait au 45 de la rue Blomet, et mon voisin était André Masson. C'est par lui que j'appris à connaître les surréalistes. Mais je n'ai jamais signé un seul de leurs manifestes. Au contact des poètes surréalistes, quelque chose m'est apparu clairement, et c'est cela qui comptait pour moi dans le surréalisme: la nécessité de vaincre la peinture. La peinture surréaliste en elle-même ne m'intéressait pas spécialement. Je devinais qu'il y avait en­core quelque chose de plus grand, que la peinture pouvait être encore quelque chose de plus que cela. En quoi l'influence des surréalistes a consisté pour moi? Dans la victoire sur la réalité visuelle.

En 1926, année où il réalise les décors et les costumes pour Roméo et Juliette (avec Ernst), il expose à la Galerie Pierre. Cette seconde exposition à Paris suit celle qui avait eu lieu à la galerie La Licorne en 1921. En 1928, Miro fait un voyage en Hollande. De retour de son voyage, il exécute une série de toiles intitulées Intérieur Hollandais où il parodie les peintures qui l'ont le plus impressionné. Suit alors une période d' "assassinat de la peinture": Miro réalise une série de collages et de peintures objets à l'aide de morceaux de bois, de papiers, du fil de fer, des plumes, des chaînes, de la ficelle, du papier de verre, des cartes postales et même du sable.

De 1934 à 1937, la figure humaine fait à nouveau apparition, mais elle reste déformée: Modèle montant un escalier (1937, crayon), Figure en état de métamorphose (1956, gouache). En 1937, Miro réalise une grande fresque pour le pavillon espagnol de l'Exposition Internationale de Bruxelles. En 1938, il peint Nature-morte au vieux Soulier: Miro, subissant le désespoir de la guerre civile, devient plus pessimiste. De août 1939 a mai 1940, il séjourne à Varengeville, près de Dieppe, où il peint Vol d'Oiseaux et où il commence la série de 23 tableaux intitulée Constellations qu'il terminera en 194I.

En 1947, Miro se rend en Amérique où il exécute plusieurs fresques dont la principale est celle de l'Hôtel Plaza à Cincinnati. L'année suivante, il rentre en Europe et travaille à plusieurs livres de lithographies. 

En 1950, il illustre Parler Seul de Tristan Tzara. En 1953, il expose à la Galerie Maeght à Paris et, l'année suivante, remporte le premier prix de gravure de la Biennale de Venise. En 1955, il réalise, en collaboration avec Artigas, la façade de l'Unesco à Paris et exécute une série de tableaux sur le thème des oiseaux. En 1956, il expose à Bruxelles et Amsterdam. Dès lors, sa production picturale n'a jamais diminué de quantité ni de valeur.

Roberto Matta Echaurren est né en 1911 à Chiloe (Chili). Il fit d'abord des études d'architecte, puis monta une affaire de décoration à Santiago qu'il abandonna pour voyager en Italie, en Espagne, en Yougoslavie et en Russie. 

En 1934, il travaille dans l'atelier de Le Corbusier. En 1937, il rencontre en France l'anglais Gordon Onslow Ford et décident tous deux de devenir peintres. Matta fait la connaissance de Picasso, Dali et Breton qui l'encourage vivement. Ce n'est qu'en 1938 qu'il peint ses premières grandes toiles et qu'il réalise la série des Morphologies psychologiques.

La peinture de Matta devient alors de plus en plus engagée: le peintre y caricature les hommes en les transformant en monstres filiformes, il accuse la société en peignant ses vices (Le Sexspectacle, 1953). Ses peintures deviennent un fouillis de signes graphiques qui se mêlent, s'entrelacent, créant une atmosphère très lyriques: La Pomme du Savoir (1943), Elminonde (1943), Science, Conscience et Patience du Vitreur (1944). 

Revenu en 1949 en Europe, Matta séjourne en Italie et en France, puis est exclu du groupe surréaliste.

André Masson, peintre français, est né le 4 janvier 1896 à Balagny (Oise). Après des études à Bruxelles, puis à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, il séjourne en Italie, puis se fixe à Paris. Il s'intéresse et étudie Poussin, Delacroix Uccello, Greco, Piranèse, Héraclite, Nietzsche, Sade et Lautréamont. 

Masson devient l'ami de Juan Gris et subit alors l'influence du cubisme. Sa première exposi­tion a lieu en 1924 à la galerie Simon. Il y expose des natures mortes d'influ­ence cubiste. Masson se joint alors au groupe surréaliste avec lesquels il expose souvent.

En 1933, il expose avec Miro à New York et exécute des décors pour des ballets. Dès 1934, il séjourne en Espagne où il peint des tauromachies et des insectes. 

En 1942, il fait un séjour aux USA et aux Antilles et, en 1946, revient en France et se fixe à Aix-en-Provence. Il réalise alors des eaux-fortes pour L'Espoir et Les Conquérants de Malraux, des lithographies et des dessins pour Bestiaire et Mythologie ainsi que des paysages de Provence. 

En 1962, une période de plénitude se produit dans la peinture de Masson avec des toiles comme L'Homme Ivre, Cérémonie chez Sade, Hommes écorchés et Femmes en armures (1963), Thaumaturges malveillants menaçant le peuple des hauteurs (1964). 

André Masson fut l'inventeur des tableaux de sable. La technique de son geste pictural mut une influence considérable sur l'Action Painting américaine. Sa peinture est le symbole du drame humain où se mêlent un état de fusion et de décomposition, des combats de poissons, d'insectes, des entrelacements de lignes parfois nées de l'écriture automatique.

René Magritte, l'un des principaux peintres surréalistes belges, est né le 21 novembre 1898 à Lessines dans le Hainaut. Il vit successivement à Gilly, Châtelet et Charleroi.

Lorsqu'il a 14 ans, sa mère se suicide: dès son plus jeune âge, Magritte entre donc en contact direct avec la mort. En 1915, il rencontre Georgette Berger qu'il épousera en 1922. Elève de l'Ecole des Beaux-Arts de Bruxelles jusqu'en 1918, Magritte devient dessinateur dans une usine de papiers peints. Pour vivre, il réalise également des affiches de publicité. 

Le poète Pierre Bourgeois lui fait alors connaître le cubisme et le futurisme. D'abord influencé par ce dernier mouvement, Magritte, déçu de cette tentative, l'abandonne rapidement pour explorer le domaine de l'insolite et du merveilleux. En 1922, il découvre l'oeuvre de Chirico et de Picabia dont il subit l'influence. A cette époque, le groupe surréaliste belge commence à se former. Magritte n'y participe pas effectivement, mais il en subit cependant l'influence.

La rose que je mis à la place du coeur dans la poitrine d'une jeune fille nue ne produisait pas l'effet bouleversant que j'attendais... Je décidai donc vers 1925, de ne plus peindre les objets qu'avec tous leurs détails apparents cette décision me fut d'ailleurs facilitée par la longue contemplation qu'il me fut donné d'avoir dans une brasserie populaire de Bruxelles: la disposition d'esprit où j'étais me fit paraître douées d'une mystérieuse existence les moulures d'une porte et je fus longtemps en contact avec leur réalité... Je sentais que le monde, que la vie pouvaient être transformés et répondre davan­tage à la pensée, aux sentiments.

L'on me reprocha la présence des choses que je montrais et l'absence des choses que je ne montrais pas. 

Mesens, Lecomte, Nougé, Goemans, Souris et Scutenaire fondent en 1927 la Société du Mystère qui a pour but d'organiser des échanges et des discussions, mais surtout de soutenir la peinture de Magritte. L'Ange migrateur (1926) et Au Pays de la Nuit (1928), les principales toiles de cette époque, sont encore influencées par Chirico.

Mais dès lors, Magritte crée l'insolite en juxtaposant des objets sans aucun rapport, créant ainsi un merveilleux très personnel. 

En 1927, Magritte se rend à Paris où il rencontre les surréalistes, mais rompt rapidement avec Breton et revient en Belgique s'installer à Jette. Magritte expose alors à Paris, au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, à New York et à Londres (1936) ainsi qu'à Tokyo (1937). En 1934, il se réconcilie avec Breton et l'accueille à Bruxelles où il vient faire une conférence. 

Pendant la guerre, la peinture de Magritte prend un aspect de plus en plus grotesque, mais cette "époque vache" se termine avec la libération. En 1946, il rompt à nouveau avec Breton. Ce dernier ayant reçut le manifeste des surréalistes belges (Le surréalisme en plein soleil) télégraphia à Magritte les mots suivants: "Votre dialecte et votre surréalisme en plein soleil sont cousus de fil blanc." Magritte répondit: "Mille regrets. Le fil blanc est sur votre bobine." 

Magritte a aussi exécuté de nombreuses fresques, en particulier au casino de Knokke-le-Zoute, au palais des Beaux-Arts de Charleroi et au Palais des Congrès de Bruxelles. Sept mois avant la disparition de Magritte en 1967, la galerie Iolas à Paris présentait ses dernières toiles: Le Jeu de Mourre et Le Chemin de Damas. 

Tout ce qu'a peint Magritte est reconnaissable, même lorsqu'il s'agit d'êtres ou d'objets hétéroclites. C'est la nature particulière de l'assemblage, parfois humoristique, qui confère aux choses une identité nouvelle. Magritte nous a donné lui même le but qu'il s'était fixé: 

Je veille à ne peindre, dans la mesure du possible, que des tableaux qui évo­quent le mystère avec précision et le charme nécessaire à la vie de la pensée. Il semble évident que l'évocation précise et charmante du mystère consiste en des images de choses familières, réunies ou transformées de telle sorte que cesse leur accord avec nos idées naïves ou savantes.

Fils d'un commerçant chinois de Canton, fixé à Cuba et d'une mère métisse à la fois africaine, indienne et européenne, Wilfredo Lam est né à Sagna la Grande (Cuba) en 1902. Après des études à l'école des Beaux-Arts de La Havanne, il part pour l'Espagne. 

En 1931, il perd sa femme et sa fille et, chassé par l'effondrement de la République espagnole, il se réfugie à Paris où il rencon­tre Picasso qui l'encourage et l'aide. En 1938, il expose pour la première fois à Paris, galerie Pierre. 

En 1940, il rencontre les surréalistes à Marseille et, pendant la guerre, rejoint son pays natal où son oeuvre se développe considéra­blement. Il peint successivement L'Âme extérieure, La Chanteuse de Poisson, Malembo (1942), La Jungle (1943) et Chant des Osmoses (1944), peintures où la végéta­tion est le thème principal. 

Grand voyageur, Wilfredo Lam participa à presque toutes les expositions surréalistes à Paris, Prague, Milan et New York. Il organisa également des ex­positions personnelles à Paris, Leon (Espagne) et surtout à New York.

Né à Douai en 1905, Félix Labisse fréquenta James Ensor à Ostende vers 1925. Autodidacte, il expose d'abord dans les régions du Nord et en particulier à Ostende, Courtrai, Anvers, puis Amsterdam et Bruxelles. 

En 1932, il vient à Paris puis expose à Cologne et en Amérique du Sud. A partir de  1934, il exécute des décors (notamment pour Jean-Louis Barrault) et illustre des livres. 

Pendant la guerre, il expose à Paris, au Salon d'Automne, au Salon des Tuileries, puis, au Salon de Mai. Sa première toile surréaliste date de 1938 et est intitulée Le Piano. Il exécute des décors pour des pièces telles que Autour d'une mère, Liliom, Noé et Hamlet ou illustre Andromède de Desnos et Sur-mâle de Jarry. 

Dans un style objectif, simple et précis, Félix Labisse assemble, dans un décor emprunté à la vie courante, les objets les plus insolites, créant ainsi des rapports cocasses (La Parque du Prince - 1943).

Georges Grosz, peintre américain d'origine allemande, est né à Berlin en 1893 et y mourut en 1959. Elève des écoles de Dresde puis de Berlin, il exécute des dessins humoristiques pour les journaux. 

Après un séjour à Paris, il se rap­proche des mouvements dadaïste et futuriste (Hommage à Oscar Fanizza - 1917-1918) II revient en Allemagne et fonde la revue Pfeife. Il se lie alors au mouvement de la Neue Sachlichkeit. 

Parfait observateur de la vie quotidienne, Georges Grosz s'acharne à dépeindre, dans un graphisme expressionniste, les vices de la socié­té. Il publie plusieurs ouvrages d'un esprit caricatural où il déforme cruelle­ment la réalité. La Vie d'un Socialiste (1920), Ecce Homo (1923) et Miroir du Bourgeois (1925) qui lui voudra une poursuite en justice. Il se réfugie alors en Provence puis en Amérique où il se fixe en 1933 et se fait naturaliser en 1938.

Dans la dernière partie de sa vie, il renie l'art moderne et préconise un retour au réalisme rigoureux. Le Musée National d'Art Moderne possède son Etala­ge de Boucherie de 1931. 

Si, dans le cadre de cette étude, nous retenons le nom de Georges Grosz, c'est parce que, tout comme le mouvement dada dont il fit partie, cet artiste a laissé une image cruelle et même féroce du trouble moral de son temps.

Arshile Gorky, de son vrai nom Vosdanig Adoian, est né à Khorkàm Vari (Arménie turque) en 1905. Après une enfance misérable, il vit aux Etats-Unis dès l'âge de seize ans. Il devient professeur de dessin et est d'abord influen­cé par Picasso. 

L'arrivée de Breton à New York pendant la guerre détermine chez lui un renouveau de recherche. Parmi ses principales toiles, influencées par Miro citons Fiançailles, I et II (1947), Agonie (1947), et surtout Le Foie est la Crête du Coq (1944) que l'on considère comme son oeuvre maîtresse. 

Une grande partie de ses toiles sont détruites làrs d'un incendie en 1946. La même année, il est opéré d'un cancer et, deux ans plus tard, un gravée accident de voiture lui brise le cou. Sa femme le quitte alors qu'il est à l'hôpital. Déçu par ces coups du sort successifs, il se suicide en 1948.

Alberto Giacometti est né en 1901 à Stampa (Grisons). Fils de peintre, il étudie la sculpture dans l'atelier de Bourdelle à Paris. 

En 1930, il rencontre les surréalistes et, la même année, construit le premier "objet mobile et muet" intitulé L'Heure des Traces où une boule suspendue peut osciller en frôlant l'arête d'un croissant. 

Il compose par la suite Objet Désagréable (1931), Palais à quatre heures du matin (1932) et Objet invisible (1934). Citons encore comme autres sculptures-objets: Boule suspendue, Pointe à l'Oeil, Doigt pris au piège, Femme égorgée, On me joue plus, Projet pour une place, Table, Figures dans un jardin, Femme qui marche, Maintenant le vide.

Les peintures de Giacometti, influencées par le surréalisme, représentent généralement des silhouettes mi-hommes mi-fantômes, isolées dans un décor flou. 

En 1955, Giacometti renia complètement sa production anté­rieure, déclarant ses objets d'époque surréaliste "bons à être rejetés". Il se tourna alors vers une sculpture figurative, filiforme, qui contribua grandement à le rendre célèbre. Lors de sa disparition en 1965, la France devait perdre l'un de ses meilleurs sculpteurs contemporains.

Leonor Fini, née en Argentine d'une famille de Trieste, rencontre le groupe surréaliste en 1935 et se livre alors au dessin automatique. En 1938, elle expo­se pour la première fois chez Julian Lévy à New York, puis à Paris.

En 1942, elle expose à Zurich et, pendant la guerre, se fixe à Monte-Carlo où elle réalise une série de dessins dont les principaux sont Mandiargues (1935), Genêt (1948), Audiberti (1950) et Suzanne Flon (1955). Entre 1944 et 1945, elle illustre Juliette de Sade et, dès 1947, réalise de nombreux décors de ballets et de théâtre. 

En 1950 elle publie Portraits de famille, une série d'eaux-fortes et en 1955 illustre les Contes fantastiques de Poe. Citons encore d'autres peintures: L'0mbrelle (1948), Le Chat Manoul (1941), L'Escalier dans la Tour (1946) et La Toilette Inutile (1963). 

Une exposition des peintures de Leonor Fini eut lieu en 1965 chez Iolas à Paris.